In September 2015 Campo is launched. 
Campo is a space for Architecture in Rome, the first exhibition is a declaration of intent, The Supreme Achievement. The gallery doesn’t only organize architectural exhibitions it’s also a place to celebrate architecture, a location to discuss on architectural subjects. The first action was a workshop where students and architects confront each other on a very important text the 12 ideals cities of Superstudio. This text is seen as a project and its interpretation produced other projects. From this first event start the cooperation with a young publishing house
But let’s go in order to tell this story, first the work description then the introduction of Davide Sacconi and Maria S. Giudici on the book, edited by them, which after 8 months describe this experience.
The book will be lauched in London at the AA bookshop on june 23 at


In 1971, Superstudio published their twelve Ideal Cities, “the supreme achievement of twenty thousand years of civilization, blood, sweat and tears”. After 44 years, CAMPO and Black Square Press ask twelve groups of architects to give their own answer to the original brief.
The Superstudio piece was less about imagining the Future than it was about re-imagining Architecture as a form of knowledge and as a platform for thinking rather than mere practice.
The format itself – one image and one text for each of the twelve cities –implies a project of an Archetype rather than a pragmatic solution to a problem.
In fact, these visions of ‘supreme achievement’ are not answers, but open questions.
Perfect and dystopian urban mechanisms where any incoherence is eliminated, they challenge the idea that space and bodily presence might not matter anymore in the future, while at the same time they provide an ironic commentary on the architect’s curse: that we have to be projective and optimistic by default, even (or maybe especially) when civilization seems in fact to have come to an end.
While Superstudio’s response was intentionally dystopian, there might be other ways to interpret today the same brief. We still need architecture to put forward not only ideas for new forms of life, but also new possibilities for our political imagination to go beyond the current conventional models.
CAMPO and Black Square invite twelve radical practices and thinkers to propose their own cautionary tale to be featured in a publication as well as an exhibition opening in Rome in the fall 2015.
The twelve proposals will become the starting point for a one-week workshop during which architecture students will try to develop, for each of the cities, a prototype of the space of the self in a 1:20 plaster model.
Featuring proposals by: Amid/Cero9, Dogma, Microcities, Behemoth, MapOffice,
Didier Fiuza Faustino, Philippe Morel, Aristide Antonas, For-a+Beth Hughes + more
CAMPO is space to debate, study and celebrate Architecture founded in Rome by Gianfranco Bombaci, Matteo Costanzo, Luca Galofaro and Davide Sacconi in 2015.
BLACK SQUARE is a London-based publishing and educational platform founded by Maria S. Giudici, diploma unit master of Unit 14 at the Architectural Association.


edited by  Maria S. Giudici e Davide Sacconi

Tales from a present future

by Maria Shéhérazade Giudici and Davide Sacconi 

In 1971 Superstudio published in Architectural Design Twelve Cautionary Tales for Christmas, twelve short stories illustrated with their own drawings, which put forward a critique of the role of architecture in the making of the city. The twelve stories illustrate what Superstudio defines as “premonitions of the mystical rebirth of urbanism”, that is to say, a condition in which architecture takes command and becomes, in a very explicit way, a tool for the construction of subjects. As such the Cautionary Tales are not projections of a desirable future but rather exaggerated portraits of the present condition. The science fiction character of the narrative, juxtaposed with the technical precision and evocative dimension of the drawings, constructs a detachment from reality that is the key to a ruthless and powerful critique. The chosen format itself is the device through which the authors target precisely the relationship between space and government, form and modern politics, without either seeking refuge in academic theories or falling into naïve utopias. 

The Tales, at their root, address the relationship between the project of governance, the project of the city, and the project of our domestic space. This relationship is not a new thing. For example, ancient Chinese cities, founded on the logic described in the Rites of Zhou, already present a sophisticated translation of ethical hierarchies in built form, as did the Roman colonial grid. However, in these cases, the symbolic and military ambitions at stake are always laid out in a way that includes a clear form of self-representation. In other words, these traditional cities were always legible as projects. Moreover, the idea of power and authority in pre-modern times conceptually predated the making of the city, which then became the fit receptacle and embodiment of that power. However, from the 1700s onwards, the system shifted: it is the urban space itself that constructs the very possibility of government, it is the ordering of the city that builds the consensus, which any power needs to exist. Abraham Bosse’s famous frontispiece for Hobbes’ Leviathan already brings to the foreground this need to root power in the calculated composition of a mass of bodies into an orderly people. In this shift, the built form ceases to be a representation and becomes, as Le Corbusier would say, a machine. As architects, this condition forces us to ask ourselves: have we yielded all of our imaginative and disruptive power by accepting this role, or on the contrary have we become all the more powerful, yet questionable, by becoming not only the accomplices but the very enablers of government? This conundrum is well expressed in the clinical, relentless descriptions of the original Superstudio Tales as well as in the illustrations which portray an architecture which is at the same time both absolutely generic and rarefied, but also monumental by virtue of its sheer scale. 


These considerations of Superstudio’s critical approach and their reflections on the role of architecture were the starting point of The Supreme Achievement, a project born out of the collaboration of CAMPO and Black Square – respectively, a space for architecture in Rome and a Milan-based publishing and educational platform.

In the summer of 2015 we invited twelve architects and collective practices to give their own interpretation of Superstudio’s Cautionary Tales in relationship to the contemporary condition, respecting the original format of one text and one image. We assembled a fairly heterogeneous group of contributors; architects and collectives with different backgrounds, experiences and positions, coming from three different continents and belonging to different generations. In spite of the differences, a common thread can be identified among the participants; on the one hand, a shared interest in the relationship between the city and power while on the other hand, a particular relevance is given to architectural representation. They all use drawing as a heuristic device – that is to say, as a form of knowledge in its own right – rather than as a mere way to explain a project: for them the drawing itself is the project. 


To further elaborate and open up a discussion on these contributions, we organised a one-week workshop at CAMPO during which a group of students, speculated on the space of the self within the framework proposed by the twelve visions. Departing from the images and texts as a brief, the students elaborated architectural devices that respond to the original contribution as mechanisms triggering an experiential dimension of the cities. The devices, through their material presence as plaster models, oppose the character of the urban visions by adding a formal and spatial level of reflection that complements or twists the original propositions. The models, juxtaposed and considered as a whole, become fragments of a possible analogous city to come.

The work, a result of this process of exchange, was exhibited at CAMPO in September 2015. The entire process involved architects, students and guest critics who are all engaged in an ongoing debate around the question first put forward by Superstudio: is architecture condemned to become a machine of government? 

The results have been quite extraordinary and surprising in many respects. The restraints and the consequent clarity found in the Cautionary Tales format revealed not only its enduring validity but, if possible, an even increased power vis-à-vis the contemporary reality and the variety of invited contributors. The material as a whole has a visual and conceptual clarity, but at the same time, once we enter into the depths of the narratives and details of the designs, one is able to produce countless possibilities of cross references. The images and the texts offer themselves to the viewer as a living matter, where each contribution can be read against the others in an endless play of elective affinities and conflicts. Thus, the framework of the Tales engenders a tension among the projects where the differences are neither recomposed nor irreconcilable, producing an understanding of the whole that is greater than the single parts. Each contribution insists on distinct attitudes that span from acceleration to opposition, from the poetic to the technological, from the ironically disenchanted to the resolutely pragmatic, giving form to a mosaic of visions and tools. Nevertheless, we can clearly read a common concern with the (im)possibility to investigate and represent the current transformations of the city, its dissolution in a system of norms defining behaviors, where architecture seems to be progressively absorbed into a productive machine. The physical and mental acceleration is produced and at the same time produces the endless condition of urbanization. 

An interesting edge seems to materialize from this common ground when it comes to defining a possible role of architecture within the condition of urbanization. For example, Philippe Morel’s Last Earth brings the possibilities offered by mathematics and computational tools to their most extreme consequences. Thus uncovering the irresolvable internal contradictions brought about by the progressive naturalization of capital as an endless process of accumulation. In a city on a planetary scale where everything is immediately and intrinsically available thanks to the computational management of a ‘state of statistical chaos’, architecture, the city and man are reduced to irrelevant numbers subordinate to ‘an ideal gas law’.

On a similar path, but possibly a few centuries earlier, Raumlabor speculates on the technical and cultural possibilities offered by 3d printing technology applied to the urban scale. The mechanical precision of the drawings and the tech-journalist like style of the text of Stadtfresser City have an evocative quality that instrumentalises the technical issues to open a more profound question of globalization, erasure of cultural differences and ultimately on the dissolution of architecture as language and knowledge. Precisely the relationship between knowledge production and life is at the center of the vision constructed by Behemoth, the Italian-Iranian Holland-based trio. Produced by their sharply critical and ironic gaze, Penelope or the Endless Loom materializes in an absurdly low-tech but highly sophisticated machine, an allegory of the actual condition of labour within university campuses. Similarly to Morel’s proposal, the relationship between architecture and the city or between matter and man, are completely dissolved and substituted by the management of feedback loops, an ‘endless loom’ of economic, intellectual and affective relationships efficiently serving the machine. 

The same planetary gaze from Morel’s proposal is seen from a different perspective in the collaboration between FORA and Beth Hughes. The Assembly, at once a post-apocalyptic and very actual scenario, where in a process of ‘metropolitan autopoiesis,’ the territory is continuously reorganized by infrastructural systems that leave behind a landscape of obsolete technology. A glimpse of hope seems to reside in the possibility to ‘re-appropriate and co-opt’ these ‘wrecks of physical surplus,’ in ‘extraterritorial exemptions’ where a new relationship with space might emerge; a very tight space for architecture to maneuver. 

Similarly architecture plays the role of found opportunity within a larger system in, The Warehouse City, the poetic vision by Aristides Antonas. The collage, to a certain extent, could be read together with The Assembly – here it is no coincidence that both projects use collage – as a representation of the ‘inhabitation of the invisible flows,’ of time, space and the relationships that connective infrastructure produces between humans. The city is the endless interior of an ‘abstract warehouse’ where everything is represented and where the new potential resides, more than in the architecture, in the possibility to instrumentalise the ‘infrastructure protocols’ to construct new forms of co-existence. The recapture of the interior through a collective organization becomes the central theme of The City Within, the tale imagined by Microcities (in collaboration with Giacomo Nanni, Cristina Crippa, Raffaele Alberto Ventura and Francesca Guidoni), where a ‘slow and secret invasion’ from within is able to regain control of a city now turned into a desert by private interests and technocratic control. The project exposes the blurring of private and public space, domestic and working condition, political and the economic sphere, that is at the core of the contemporary condition. The detailed precision of the account, the choice of the section as a tool for representation and the happy ending betray an optimistic vein to which architecture seems to be inevitably condemned. As a sort of counterpart, the project Master and Slave by Didier Fiuza Faustino relies on a much more ambiguous and dystopian atmosphere. The city, or possibly the entire civilization, is condensed in an inhabited Moloch that is eroded from the inside, a conflict of devotion and domination, dependence, and fulfillment that masters and slaves are obliged to play in an uncanny and open-ended perversion. 


An estrangement of a different nature is provoked by the cyclic conception of time in the City without a Monument by the Brazilian duo Miniatura, where the city is a cycle that transforms the relationships between itself, man and architecture in an endless time-space loop. A process, more than an architectural form, that, containing ‘the repertoire of everything that was and has to be done’ breaks with the idea of modernity based on progress and memory. 


The theme of memory finds its most poetic moment in the visionary tale narrated by MAP Office. The French duo, based in Hong Kong, speculates on the relationship between the nature of a person and their technological extension, between the volatile character of information and the permanence of matter, the inevitability of death and the construction of memory. The record of each life, one chip after the other, gives form to The Island of Memories, at once a cemetery and archive of the population’s entire collective knowledge. The tale can be read both as a subtle critique of the technological faith and as a light-hearted journey into the abyss of human nature, where the role of architecture is dissolved into a direct projection of ourselves in the infrastructure of the landscape. 

A step before death, Nocturnalia by Cero9/Amid put forward the possibility of collective sleeping as the last and paradoxical frontier of wakefulness, as a form of ‘resistance to a life exposed to a machinic process of exploitation’. Civilization without homes surrounded by the endless productive field of work where architecture celebrates and gives form to the ultimate public space; an enormous dome with a golden ceiling beneath which the whole population sleeps together in the attempt to escape the nightmare of uniformity. Endlessly monotonous walls, an ‘absolute homogeneity and sameness’ that continues unabated, is the theme of Alex Maymind’s The City of Walls, a direct reinterpretation of Superstudio’s First City. The walls construct a background condition, ‘a quality with no quality that has a quality of its own’, against which the unbridled nature of the city can materialize. Thus, the city is paradoxically conceived of as a subtraction that constructs and as the gesture that carves a political space out of the infinite, straight stubbornness of the walls.

Finally, Dogma proposes The Block, a straightforward reinterpretation of what was once the basic unit of the city, now condensed in a single monumental space. Architecture takes command over the city as an archetype that, through the precise articulation of its form can organize the relationship between ‘the two extremes of the human condition: solitude and togetherness’. The sheer scale of the artifact imposes a presence that nevertheless can be either rejected or eroded through inhabitation, opening up the possibility of a political dimension of co-existence by means of architecture. 

These twelve cities are not mutually exclusive; after all they are all happening, right here, right now, with their conflicts and their ambitions. Ultimately what emerges out of this complex mosaic of ideas is, against all odds, faith in architecture, in the possibility for architecture to exist perhaps beyond architects and against all the constraints of politics. A golden dome, a basement that becomes a city, the white noise of machines whose intricate construction doesn’t cease to fascinate us: the real Supreme Achievement resides in the capability to recognize the potential of space, and to turn it from an instrument of power into a weapon that may return some sense of awareness, agency, and perhaps beauty to us.

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Cronache illustrate da una terra (s)perduta
Andrea Angeli e Alice Piciocchi
24 ore cultura

Siamo entrati nel terzo millennio ed ancora è possibile viaggiare per scoprire il mondo.
Lo hanno fatto gli autori di questo piccolo capolavoro, Andrea Angeli e Alice Piciocchi, architetto lui e giornalista lei.
Hanno trovato nel viaggio il soggetto perfetto di questa riflessione sul mondo che abbiamo creato.
Qui sul confine del mondo abitato un'isola della Micronesia è destinata a scomparire per l'innalzamento delle acque, fra vent'anni o forse 100. 

Quando non si sa, ma l’ipotesi è tanto credibile da aver convinto il presidente del Paese a progettare una migrazione di massa. Destinazione: isole Fiji. A tanto pragmatismo non corrisponde però la consapevolezza della popolazione, che continua la propria vita senza preoccuparsi del futuro.

Il viaggio degli autori comincia qui, nel cercare di entrare in sintonia con un’altra civiltà, scoprendone tutti i sorprendenti aspetti (dai riti magici ai valori) e componendo una storia a due velocità: visiva (le tavole di Angeli sono una versione moderna delle tavole Darwiniane) e narrativa. Il diario di Alice Piciocchi va oltre la cronaca, dimostrando un’empatia che parla una lingua universale.

Il libro è uno sguardo doppio su un mondo incastrato tra passato e presente, dove il futuro è un  tempo sospeso. E dove pratiche antiche si fondono con quelle contemporanee e creano dissonanze, interruzioni. Le superstizioni si fondono con le certezze dell'era moderna, diventando a loro volta racconti postmoderni che creano sorpresa nei due osservatori ma anche empatia.
I dubbi alla fine che nascono dal viaggio, ancora una volta inteso come scoperta di se, ci dicono senza indugi che viaggiare con lentezza è ancora la forma di conoscenza più pura.
Il libro è consigliato ad un pubblico adulto che riuscirà a pensare al mondo che cambia, ad un pubblico di bambini che si perderà nelle storie di un mondo reale ma allo stesso tempo immaginifico, ed infine agli architetti, che riscopriranno il valore del disegno come strumento utile di rappresentazione  del reale che nasconde molte più idee del reale stesso.


La Biennale di Architettura è anche il luogo in cui trovare libri, ogni padiglione ha il suo catalogo e molti degli architetti partecipanti hanno un libro dedicato.  Nei giorni dell'apertura poi molti volumi vengono presentati, formalmente ed informalmente. 
Ecco dunque una prima selezione di alcuni dei libri più interessanti che ho avuto modo di sfogliare e che ora, in fila sul mio tavolo, aspettano di essere letti con attenzione.

Home Economics 
 British Pavillion 2016
 curators Shumi Bose- Jack Self - Finn Williams
published by The Space

Home economics asks urgent questions about the role of housing and domestic space in the material reality of familial life.... propose new models for the front line of British architecture: the home..

Il tema del padiglione è affrontato e spiegato meglio nel catalogo piuttosto che nell'allestimento, il libro racconta e mette a sistema ricerche diverse, forse troppo omologate nella realtà del padiglione ma ben descritte dai singoli autori all'interno del libro.
Resta uno degli oggetti editoriali più belli visti a Venezia.

Studio Anne Holtrop
2G Magazine
Koening Books

Una monografia tradizionale, una rivista creata e pensata dalla Gustavo Gili di Barcellona e ora proposta in una nuova versione da un editore che gli restituisce nuova vita e speriamo una nuova serialità. Anne Holtrop studio è una realtà interessante con una ricerca precisa fatta sulla costruzione di spazi temporanei, ma di grande suggestione.
La sperimentazione non è sul linguaggio e nemmeno sulla tecnica ma sulla capacitá di costruzione di uno spazio mentale prima che fisico. Piccoli padiglioni definiscono una nuova idea di architettura effimera dove l'abitare non è legato ad un programma specifico ma ad un modo non convenzionale di utilizzare lo spazio.
I am interested in a possible architecture dichiara l'architetto olandese, e il libro ne è la prova evidente.

Fundamentals Acts
curato da Matteo Ghidoni

Lo so negli ultimi mesi il lavoro di SUPERSTUDIO è stato vivisezionato, celebrato e raccontato da una grande retrospettiva al Maxxi di Roma con un libro monumentale.  Sono tanti gli omaggi e i tributi di autori diversi, questo più di tanti altri da spazio all'immaginazione e coinvolge una lunga serie di invitati chiamati a riscrivere gli Atti Fondamentali, un libro ben curato, con una grafica elegante e un contenuto etereogeneo capace però di dare nuova vita ad un'idea di architettura che da Utopia si è trasformata in realtà.

Art of Many 
Danish Pavillion
The Danish Architectural press

Una raccolta di progetti di architettura realizzati nel mondo da architetti Danesi, un enciclopedia su una nazione che sta concentrando tutte le sue forze su una produzione edilizia di grande qualità.

Bravoure  Scarcity Beauty
curators  architecten de Vylder Vinck taillieu, 
doorzon interieurarchitecten, Filip Dujardin
Flanders Architecture Institute

 A proposal that has taken this concern for craft further. it has become a questioning of the intentions and the operations of architecture at a time when necessity is paramount, and immagination necessary.

Tredici progetti di altrettanti studi per illustrare la propria visione della maestria, il team BRAVOURE espone nel padiglione belga frammenti di progetti rappresentativi di un idea di architettura tanto semplice quanto suggestiva. Tramite delle copie a grandezza reale di dettagli di edifici viene illustrato il modo in cui la ristrettezza economica in edilizia possa condurre e sfociare nell’abilità dell'architetto. De Vylder dichiara Il frammento viene esposto nella sua realtà, seppur estrapolato dal suo contesto, per dar finalmente vita a una nuova dimensione. Gli studi di architettura che forniscono il proprio contributo all’esposizione si sovrappongono alle visioni di Filip Dujardin che reinventa  il reale trasfigurandolo in pura forma.
Un dialogo ben riuscito tra immaginazione e realtà dove spesso il confine tra rappresentazione e realizzazione perde ogni tipo di consistenza.
Fanno parte del team BRAVOURE lo Studio architecten de Vylder Vinck taillieu, con Filip Dujardin come contrasto finora imprescindibile, e lo studio doorzon interieurarchitecten come punto di giunzione del triangolo.

The Architectural Imagination
cataLog n 37  
Unite States Pavilion
curated by Cynthia Davidson - Monica Ponce de Leòn

Un padiglione che cerca di rispondere alle domande lasciate aperte dal curatore dell'intera Biennale Aleandro Aravena, attraverso progetti di architettura utilizzati come motore di sviluppo urbano. La città di Detroit è al centro di questo progetto, una raccolta di proposte molto diverse tra loro ridefinisce il significato della parola Immaginazione. Anche se non tutti i progetti hanno la forza di produrre una risposta convincente bisogna dare atto ai curatori che hanno creduto nelle potenzialità dell'architettura come disciplina autonoma capace di fornire risposte concrete a problemi economici e sociali.

Vienna: L'odio di se
Curato da Manuel Orazi, Gabriele Mastrigli, Giovanni Damiani, Francesco Parisi.

Gli uomini della nostra epoca confusa vivono la loro vita più vera in episodi accidentali, malintesi non chiariti, fruttuose distrazioni.
Hugo von Hofmannsthal, Il libro degli amici, 1922

Deserto Rosso ricompare con il n.5 dopo il n.0 uscito quattro anni fa, sempre in occasione della Biennale di Venezia, in un forma raffinata ed un'eleganza grafica d'altri tempi.
Una rivista che tace per poi rinascere all’improvviso dalle sue ceneri dopo quattro anni si può solo spiegare con le parole di Hugo von Hofmannsthal: “Amore e odio di se stessi sono le più profonde forze produttive del mondo”. Eppure sottrarre tempo, forze e persino denaro per pubblicare un numero al limite dell’autolesionismo, dedicato a un tema inattualissimo e ben sapendo che non convinceremo nessuno a seguirci sulla strada deviata che porta lontano da ogni possibile autopromozione, in una ricerca che non verrà riconosciuta come tale da nessuno e tantomeno come informazione, solo questo compito ci accomuna e sprona come un irrefrenabile impeto nichilista.

The Metropolitan Laboratory
volume one
Education: Trial and Error
ANCB The Aedes Metropolitan Laboratory

La galleria Aedes di Berlino attraverso una rivista si interroga sul valore dell'Educazione, su come l'architettura debba essere trasmessa alle nuove generazioni, e su come la disciplina stia assumendo una forma dialettica nuova ed in continua evoluzione.
Una ricerca fondamentale che fa riflettere.

AP 164  Abalos Herreros
selected by Kersten Geers and David van severen
Juan Josè Castellòn Gonzalèz
Florian Idemburg and Jing Liu
With photograph of Stefano Graziani

Senza ombra di dubbio un contributo quello,degli autori coinvolti a leggere l'archivio dello studio Abalos Herreros, molto importante. Che definisce nuove prospettive e nuovi significati per gli archivi di architettura, non legati soltanto alla fase di rappresentazione delle opere, ma attenti a tutto quel materiale fino a poco tempo fa non ritenuto così importante nella formazione del progetto.
Un libro che coinvolge non solo i curatori ma architetti progettisti capaci di guardare all'architettura trasformandola in modello di lavoro.

Black Square Press

Come sempre lo studio Dogma in questo caso in tandem con Black Square confeziona una ricerca attenta dove teoria e progetto di architettura si sovrappongono.
All'interno del padiglione Inglese è costruito un modello scala 1.1 di un blocco servizi di alloggi tipo pensati per la città di Londra. Altro capitolo di una ricerca ormai decennale sulle nuove tipologie residenziali, tema già affrontato dallo studio Italiano con sede a Bruxelles con il prototipo realizzato lo scorso anno alla Haus deg Kulturen der Welt di Berlino e il libro realizzato da Spector books.
Il libro è curato e pubblicato dalla Black Square Press che sta lentamente delineando una programma di ricerca editoriale molto particolare ed innovativo da seguire e sostenere.


Peter Märkli : DRAWINGS
Edited by: Fabio Don, Claudia Mion
Texts: Florian Beigel & Philip Christou, Erich Brändle, Alexander Brodsky & Kiril Ass, Irina Davidovici, Elisabeth Hatz, Kenjiro Hosaka, Erwin Viray.
Quart Verlag  2015

Nel suo Why Architects still draw Paolo Berardi spiega ai suoi studenti l'importanza del disegno come attività complementare al progetto.
Disegno e progetto infatti sono una cosa sola, lo sa bene Peter Markli, che sembra segnare continuamente e con estrema ratio fogli dello stesso formato per costruire una sorta di atlante, utile per muoversi attraverso un'idea di architettura.
I suoi disegni hanno un'autonomia rispetto al progetto, varianti infinite della stessa partitura individuano una modalità di lavoro che gli offre la possibilità di scelta solo dopo aver attribuito senso alle cose. Il disegno per Markli non è uno strumento di produzione iconografica, a lui non interessa il disegnare fine a se stesso, il disegno è una forma di pensiero che accompagna l'azione del progettare.
I disegni di Markli, non raccolgono visioni utopistiche, non sono schizzi veloci che a posteriori rimandano alla forma del progetto realizzato, sono una forma di scrittura lenta, usata per fissare ciò che appartiene alla memoria e ciò che questa memoria restituisce alla pratica dell'architettura.
Alle linee cancellate, ripassate, ai colori e ai paesaggi che diventano un tutt'uno con il segno artificiale dell'architettura corrispondono materiali grezzi, linee marcate, ritmi tra pieni e vuoti degli edifici costruiti.
These drawings have the autonomuos character of pieces in their own right and also comunicate the ispiration behind their creation through their graphic expression. That inspiration, representing the most fleeting of effective forces trasformed into an image.......(Eric Brandle)

Markli non utilizza una tipologia specifica di disegni, piante o assonometrie riportate alla bidimensionalità, sembrano parlare prima di tutto al proprio io e solo in un secondo tempo ai suoi collaboratori, i disegni riflettono in un certo senso la complessa relazione tra l'architettura e il paesaggio attraverso segni convenzionali, assomigliano a delle mappe che ci guidano attorno al mondo del progetto. Uno dei disegni più belli per la Dominica Project (una villa progettata nel 1991) mostra un’assonometria schiacciata dove è possibile riconoscere il tetto e un albero posizionato esattamente di fronte alla facciata. Ma quasi come un appunto secondario, l'angolo sinistro del foglio rivela un’informazione importante, definisce il paesaggio che circonda l'edificio; linee curvilinee individuano la posizione del mare.
This way, the sketches seem to reconcile model and interpretation, rational and irrational, the deliberate and the accidental. They become reassuring with the proud integrity of a child; immediate, stubborn, curious and asserting. (Elisabeth Hatz)

Markli scrive architettura per frammenti. Il frammento assume un significato quando diventa lo specchio di una condizione umana che mette il processo allo stesso livello del prodotto finale.
Il frammento (di solito un solo disegno isolato dalla sequenza di segni simili tra loro ma sostanzialmente differenti) ha delle parti molto definite, mentre altre restano confuse, aperte a possibili sviluppi futuri. Questo processo legato alla serialità evidenzia come sia necessario procedere lentamente nella costruzione dell'architettura che alla fine diventa lo specchio dell'intera serie di disegni preparatori.
As built architecture undergoes continuing change and alteration through its lifetime, it is not finished when it is built;it's merely starts ts own life. (Elisabeth Hatz)

Gli edifici come i disegni non cercano compromessi, rispecchiano la volontà di  ottimizzare le linee ed i segni, sono pensati non tanto per il contesto quanto per il loro uso specifico La galleria la Congiunta è pensata per le sculture di Hans Josephsohn e non per i visitatori, il volume in cemento grezzo  è un contenitore per l’arte, la luce arriva dall’alto, e disegna lo spazio con enfasi monumentale nonostante le dimensioni ridotte. È uno spazio essenziale così come lo sono i sui disegni appunti, esistono indipendentemente dall’uso che l’osservatore ne fa. La maggior parte sono disegni bidimensionali, quasi opere astratte, evocano i lavori dei Suprematisti e come ricorda nel suo saggio Kenjiro Hosaka, come i suprematisti Markli cattura un'assoluta esistenza attraverso la sua tecnica, anche i colori usati più spesso, il rosso, il nero e il bianco ci riconducono alla fascinazione per Malevich.
In un momento di confusione generale, dove é vero che gli architetti ritornano a mostrare i propri segni più privati, la tecnica semplice di marcare i contorni delle cose, comporre superfici di colore, segnare geometrie semplici e riconoscibili, sembra qualcosa di estraneo ma al tempo stesso molto familiare agli occhi di chi osserva.
Qui non siamo prigionieri del virtuosismo della tecnica, nemmeno in quello della sperimentazione formale, siamo alle origini del dare forma allo spazio.

His sense of responsability and ethical view of the buildings he makes are evident from the fact that in his drawings each structure exists peacefully on paper, inside the frame, and on Earth.

Il libro edito dalla Quart Verlag curato da Fabio Don e Claudia Mion, contiene degli scritti che integrano e commentano secondo direzioni diverse i disegni del maestro svizzero, lo fanno con discrezione ponendosi domande e mettendo in crisi la loro idea di disegno. Scavano tra le tracce della propria memoria confrontandosi con quella di Markli.
Il disegnare quindi è un atto per liberare l'architettura per trasmetterla in parallelo su un piano fisico e spirituale, questi disegni non sono solo uno strumento per la costruzione ma per la definizione di un ideale artistico. L'architettura è un prodotto concreto ma anche spirituale una forma di sapere e conoscenza ma anche l'espressione di un immaginario frutto dell'interpretazione e del sogno.
I disegni di Markli potranno anche non piacere, per la loro estrema semplicità, ma indubbiamente ci portano lontano dal mondo che oggi ci opprime e ci mostrano un'altra modalità per ricostruirlo con  lentezza.


Sei lezioni di disegno
William Kentridge
Johan & Levi editore 2016

Ecco un libro interessante, perché il tema del disegno è solo una metafora per raccontare la vita di un artista, e specialmente per spiegare il rapporto fondamentale con lo spazio di lavoro.
Lo studio, luogo primario dove si svolge la vera creazione di significato, solo qui la forma, il materiale, il disegno assumono un ruolo, non solo nella creazione di un' opera ma di un immaginario.
Lo studio diventa una camera di compressione per immagini, idee, collegamenti storici.
È questo che fa l'artista. Prendi i frammenti, i cocci, e li mette insieme. Da rottame di bicicletta, manubrio sella, ricava un toro. Questo è il progetto dell'artista: aver bisogno dei frammenti, Addirittura divertirci sì, divertirsi al progetto di cavar fuori un significato da essi. Il significato è sempre una ricostruzione, una proiezione, non è un edificio, è qualcosa che va fatto, non solo trovato. 

In una delle lezioni in cui l'autore mette in scena il processo di attivazione della sua memoria dichiara penso a me stesso come un artista che fa disegni, anche quando il carboncino si sostituisce una parola scritta inchiostro.
Il lavoro nello studio è uno scavare nella memoria ma anche un'azione fisica che coinvolge lo spazio nella realizzazione dei segni che poi sono prima di tutto narrazioni.
Una geografia personale che partendo dai luoghi di origine incontra città e storie, immagini famose o segni della tradizione che sovrapponendosi tra di loro disegnano una diversa mappa della creatività. In cui il segno e la parola spesso si confondono. 

Kentridge scrive una sorta di sceneggiatura fatta di accostamenti stravaganti, in cui le ombre sono più importanti delle cose stesse. Un disegnare che aiuta a guardare il mondo, un disegnare come rilettura del reale che è un abitare una terra di mezzo, dove lo spazio tra ciò che vediamo sul muro e la forma che inventiamo dietro la retina non sempre coincidono, e dove il tempo serve a misurare lo spazio. Anche in un unico disegno si può saltare con lo sguardo da una sezione all'altra pur mantenendo la visione d'insieme. Girare a vuoto per lo studio significa  evocare immagini anche decidere il destino, decidere quale deve avere la precedenza, da dove iniziare. Obiettivo è mostrare la complessità, e attraverso questa complessità, la cacofonia dell'eccesso, noi riusciamo a distillare un significato. In queste sei lezioni non impariamo a disegnare ma sicuramente impariamo a capire come si forma l'idea dentro la mente dell'artista e come solo in questo tempo lungo la mente disegna un altro spazio per comprendere. Mi piace pensare a questo libro come ad un'autobiografia ad uno scrivere capace di mettere in scena l'azione del creare un disegno, un progetto, un opera. Un libro che è un unico disegno che racconta lo spazio.


Omaggio a Gae Aulenti
a cura di Nina Artioli
Corraini 2016
Pinacoteca Giovanni e Marella Agnelli
16 aprile – 28 agosto 2016

Non sono una collezionista ma ho raccolto negli anni le cose che mi incuriosivano .....

 Questo è un libro che racconta una casa, un rifugio forse, dal quale intraprendere un viaggio dentro l'immaginario di un architetto.
Certo non è una monografia, è un piccolo libro, solo un omaggio di una donna che guarda indietro al lavoro di un'altra donna. Due figure particolari una nonna e una nipote, che per proteggersi a vicenda si sono confrontate a distanza, si sono sicuramente guardate per anni, una crescendo l'altra invecchiando, due percorsi paralleli le cui direzioni si incontrano forse solo oggi. 

Con il filtro dell'affetto ed una complicità speciale che un architetto sente di avere quando ad un certo punto scopre nella sua vita che quella bambina con il capottino rosso che visitava con lei il cantiere della Gare d'Orsay di Parigi diventerà anche lei un architetto.
Ora per quanto Nina Artioli sia stata attenta a mantenere una distanza dall'ingombrante figura della nonna Gae, è stata brava a ridurla nel momento in cui è troppo importante per tutti gli altri architetti guardare indietro al lavoro di un maestro come é stata l' Aulenti.
Lo ha fatto con discrezione, raccontando prima di tutto il luogo che rappresenta alla perfezione la personalità poliedrica di un grandissimo architetto, il suo studio. Mettendolo in mostra come fosse un opera aperta, quello che è appeso alle pareti, gli oggetti, i disegni, le immagini,  tutti i progetti hanno prendono di nuovo forma da un unico spazio che è la sintesi di tanti luoghi diversi. 

Il libro é concepito come un opera teatrale in più atti e in cui l'unica protagonista è l'architettura, il progetto si ripete a scale diverse sempre uguale, ma sempre diverso, un' unica matrice mette in scena l'abitare.
Un grande museo, una scenografia, un oggetto di design per Gae Aulenti erano legati sempre all'idea di abitare il mondo, di sentirsi a casa nel mondo, che fosse la sua Milano o la lontana Tokyo.
Un opera in 5 atti, 5 spazi autonomi ma collegati tra di loro da un filo rosso, un'immaginario che guarda il reale con ironia e semplicità.
Ogni atto ha una breve introduzione una testimonianza di chi l'ha conosciuta di chi ha provato a guardare il mondo attraverso i suoi occhi. 

I luoghi di Gae lo studio, la casa di milano e il rifugio estivo.
Il design e gli showroom, con i frammenti che raccolti assieme compongono la geometria dello spazio. Gli allestimenti, che servono a chiarirsi l'idea di come saper narrare sia essenziale per un progettista. Il Teatro grande passione che l'ha aiutata a contenere le sue narrazioni in uno spazio tempo unico, rappresenta la capacità di Gae di sintetizzare un'idea in un luogo e in uno spazio delimitato che ogni spettatore guarda e sente in modo diverso.
I musei  spazi dell'immaginario comune, conservano la memoria e trasfigurano il futuro.
Infine semplicemente l'architettura che mette in scena il dialogo tra luoghi, città oggetti e sguardi.
Ogni luogo riporta i segni, le immagini i frammenti di una storia unica.

L'architettura nella quale mi piacerebbe riconoscermi deriva da tre capacità fondamentali di ordine estetico e non morale. La prima è quella analitica, nel senso che dobbiamo sapere riconoscere la continuità delle tracce urbane e geografiche sia concettuali che fisiche, come essenze specifiche dell'architettura. La seconda è quella sintetica, cioè quella di saper operare le sintesi necessarie a rendere prioritari ed evidenti i principi dell'architettura. La terza è quella profetica, propria degli artisti, dei poeti, degli inventori. 

 Questo è quello che dovrebbero essere gli archivi, grazie alla collaborazione di Nina Artioli e Francesco Samassa, il lavoro dell'Aulenti ci parla una lingua semplice, patrimonio comune da reinventare attraverso la nostra memoria.
It emerged as a form of dialectics attempting to bridge the seen and the unseen, the known an the unknown.
Gae Aulenti con la sua Architettura ha inventato spazi da vivere quotidianamente così come ha vissuto la sua casa studio, attraverso questo piccolo libro ci prende tutti per mano e ci fa guardare avanti come ha fatto con Nina molti anni fa, facendoci tornare bambini curiosi, ancora una volta.

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